PSG 7

Art tutoriel

Traduction française par Cybergranny & herz3leid. Version Anglaise
Si vous avez des critiques, remarques ou autres : herz3leid@gmail.com
Dernière MAJ : Jeudi 20 Juillet.

Avant-Propos
Quand je mets les mots "règles" et "art" dans la même phrase, j‘obtiens souvent des gens un réflexe stupide. Beaucoup disent qu'il n'y a pas de règles dans l'art. J'ai peut être ma propre définition de l'art, mais je pense qu'il y a une logique et des règles qui font qu'une image sera réussie ou non.

Depuis que je pense qu'il y a des règles définies, je pense aussi qu'il est possible de construire une intelligence artificielle capable de faire de l’art. Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose de spirituel entourant l'art, qui permettrait seulement à l'humain d'en faire. Je ne peux pas faire de prévisions sur la future intelligence artificielle, mais nous sommes actuellement loin d'une intelligence artificielle capable de produire de l'art. L''intelligence artificielle peut se développer très rapidement et finir avec une banalité technologique, mais c'est une autre histoire.

Ce tutoriel a pour but de séparer et d'isoler les règles auxquelles je me tiens à chaque fois que je fais de l'art. Notez que mes règles sont génériques, peut être pas très conformes, voire même erronées. Elles sont donc à prendre avec des pincettes.

Le conseil de loin le plus utile que je pourrais donner est :

Entraînez-vous ! Faites des études sur tout, avec un maximum d'outils. Cela signifie qu'il faut aussi dessiner ce que l'on déteste, avec des outils que l'on déteste. Mais à quoi sert ce tutoriel, si tout ce dont on a besoin pour progresser est de pratiquer ? Je pense qu'il y a quelques trucs utiles à savoir, pour bien commencer. Mais vous ne progresserez pas rien qu'en lisant ce tutoriel, encore une fois, il faut pratiquer. Vous allez sûrement mettre un certain temps à digérer tout ce qui est écrit, et vous devrez très probablement revenir dans quelques mois.

Lexique
J'essaierai d'employer le moins de mots complexes possible. Voici quelques termes de base :

Teinte - Variations de couleur. La peau a une teinte variable. Les joues par exemple, sont un peu plus roses.
Saturation – Désigne la quantité de couleur présente. Les couleurs des néons sont très saturées
Valeur - Désigne la luminosité / l’obscurité d‘une teinte. Comme si l’image était en niveaux de gris.
Radiosité, ambiance - lumière réfléchie - C’est le fait que la lumière se réfléchisse sur une surface, puis en heurte une autre. Dans une pièce entièrement verte par exemple, tous les objets auront une teinte plus ou moins verte. La Radiosité est un terme de rendu 3D désignant l’ensemble du phénomène. J’utilise des reflets pour les sources que je peux suivre, auxquelles je peux remonter, et je joue sur l’ambiance quand la lumière s’est diffusée partout dans une scène, en se mélangeant à tout.
Speculars (ndtrad : pas d’équivalent français) - Ce sont les points lumineux qui apparaissent sur 1 surface lisse. La lumière est généralement "cassée" par de petites bosses ( "bumps" ) en surface, ainsi peu importe où vous vous tenez, la surface gardera presque le même aspect sous différentes directions.
Aplatir - Enlever les textures et les valeurs inutiles.
Forme - L’aspect tridimensionnel, la forme d’un objet. (ndtrad : définition peu utile en français.)

La Vue
La partie consciente du cerveau ne peut pas manipuler trop d'informations à la fois, ainsi des réflexes sont développés pour les taches habituelles et répétitives. Une partie de notre cerveau traite l’image venant de l’œil. Après qu’elle ait été traitée, des informations réduites sont envoyées à notre conscience. Malheureusement pour les artistes, cela déforme aussi la perception de l’image. Voici quelques exemples des effets de ce traitement de l’image :

Ce traitement met à plat les surfaces. Bien que le coté d’un cube nous apparaisse de travers, déformé par la perspective, le cerveau nous envoie l’information : "face carrée".
Il nous donne la couleur habituelle d’un objet, et non pas la couleur telle qu’on la voit. Qu’une feuille soit dans l’ombre, en pleine lumière ou éclairée de rouge, le cerveau nous donne l’information : "feuille verte".
Il altère l’évaluation des distances. En voyant un homme au loin, il nous paraîtra petit, mais le cerveau enverra toujours l’information : "Homme, 1m80 environ".

Le cerveau nous envoie ces informations, parce que nous savons que la face d’un cube est un carré, qu’une feuille est verte, et qu’un homme mesure environ 1m80. J’ai entendu une histoire, qui raconte qu’un homme avait grandi dans une foret très dense, sans jamais voir quoi que ce soit à une grande distance. Un scientifique l’emmena dans la savane, et lui montra un rhinocéros qui broutait au loin, proche de l’horizon. L’homme crut que c’était un insecte. Au fur et à mesure qu’ils se rapprochaient du rhinocéros, l’homme croyait que "l’insecte" grossissait.

En tant qu’artistes, nous devons apprendre à surmonter, dépasser ce traitement, afin de voir vraiment ce qui est devant nos yeux.

Lorsque l’on dessine à partir d’images, ou de photos, il est plus facile pour nous de percevoir les proportions, les alignements, et les déformations dues à la perspective. Il est beaucoup plus dur de dessiner à partir de la réalité, mais c’est aussi le plus gratifiant. Si les choses deviennent trop faciles, c’est qu’on apprend plus rien. De plus les appareils photos ne rendent pas toujours quelques teintes subtiles. L’image est toujours différente de la réalité.

L’oignon

Pensez par étapes !
Avant de commencer à dessiner, il y a plusieurs choses auxquelles vous devez penser. Idéalement, vous ne devriez pas avoir à y penser, ça devrait se faire automatiquement.

Pensez au volume, et à l’angle de vue des formes.
D’où vient la lumière ?
Essayez de vous représenter l’éclairage pour savoir si des ombres seront portées sur des surfaces.
Y a t'il une part de la lumière qui sera réfléchie par une ou des surfaces ?
Quelle est la couleur d’ambiance de la scène ?
Des speculars ? La surface est-elle lisse ou humide et va-t’elle réfléchir la source de lumière, comme le ciel par exemple ?
Le degré d’exposition. Peut-être est-il si fort, que ça en devient plus que blanc ? Peut-être est-il si sombre que même le point le plus lumineux est dans l’ombre ?
Est-ce qu'il y a du brouillard ?
Quelle est la texture, la consistance de la surface ?

Tout ceci vaut principalement pour les styles réalistes. Peut être avez vous un style qui relaie certaines de ces choses en arrière-plan pour se concentrer sur d’autres, mais pensez toujours à tout ça. Pour pouvoir simplifier la réalité, il faut d’abord la connaître. Ne vous cachez pas derrière la réaction : "C’est pas mon style alors j’ai pas besoin d’apprendre ça".

Et la lumière fut.

Speculars
Il n’y a qu’une seule sorte de lumière, qui rebondit. Vous ne pouvez voir la lumière que si elle entre dans votre œil. 2 choses importantes se passent quand la lumière frappe 1 surface: Premièrement, une partie de la lumière est absorbée. C’est comme ça que sont faites les couleurs. Une pomme rouge renvoie en majorité des rayons rouges, les autres sont absorbées et transformées en chaleur par exemple. C’est pourquoi les choses noires sont si chaudes au soleil. Une autre partie de la lumière est réfléchie, la direction dépend de la surface. Si la surface est irrégulière, la lumière rebondira aléatoirement, comme un balle de tennis lancée contre une surface rocheuse. Si la surface est lisse elle suivra un trajet prévisible. Un miroir est très lisse, donc la lumière revient sans distorsion, et nous pouvons voir notre reflet.

Notez que toutes ces surfaces ont des speculars, parce que les speculars sont juste de la lumière réfléchie. C’est un peu plus dilué dans les surfaces mates.

Selon où se place le spectateur, l’emplacement des speculars sont différents sur une surface incurvée comme celle-ci. Une flaque n’est pas incurvée, donc la réflexion du soleil ne sera visible que depuis un point de vue spécifique. Les speculars peuvent seulement apparaître dans un environnement qui possède une source de lumière, comme le soleil, une lampe ou une petite fenêtre.

Photo Les speculars existent sur les tissus, mais ils sont plus confondus, et subtils. J’ai étiré mon tee-shirt avec 2 doigts, de façon à obtenir une surface plane entre les 2 points marqués. Entre les 2 photos, j’ai bougé l’appareil photo et non le tee-shirt.

Radiosité, lumière réfléchie et lumière d’ambiance
Sur Terre, il y a plein d’objets autour de nous sur lesquels la lumière peut rebondir, ainsi tout est plus ou moins éclairé sous tous les angles. Nous avons par exemple le ciel, qui est comme une source lumineuse bleue en forme de dôme. Il y a aussi le sol, les murs, et les autres surfaces. Dans l’espace, il n’y a qu’une seule source de lumière : le Soleil. C’est pour cette raison que la Lune a une face éclairée et une face sombre, et qu'elle semble plate. Pourtant en y regardant bien, on peut voir la lumière que la Terre reflète sur la Lune, mais c’est très faible. Il y a aussi la lumière des étoiles, qui est encore plus faible.

Quand la lumière entre en contact avec une surface et rebondit, sa couleur change. Si elle frappe ensuite 1 objet de la même couleur que celui sur lequel elle a rebondi, la surface paraîtra plus saturée.

(Trop orange pour être de la peau de toute façon.)

Exposition
La lumière du soleil est nettement plus forte que celle venant du ciel, qui est plus forte que la lumière d’intérieur. Nos yeux, après un moment, s’adaptent automatiquement, et nous pouvons aussi nous adapter volontairement en louchant ou en se concentrant sur un objet. Parce que nous le faisons sans y penser, il nous est compliqué de comprendre que nos yeux sont en quelque sorte limités. Cette limite devient évidente si l’on utilise 1 appareil photo. Si vous prenez 1 photo en intérieur, les fenêtres seront surexposées ( très lumineuses ). Vous pourriez essayer d’ajuster les niveaux d’exposition sur la lumière de la fenêtre, mais toute la pièce serait dans l’ombre. Vous pouvez utiliser ceci à votre avantage. Vous pouvez par exemple mettre 1 personnage ou un objet au 1er plan, dans l’ombre. Ceci fera ressortir sa silhouette, sur 1 une chambre bien éclairée.

L’exposition à la lumière peut aussi rendre des parties du corps très claires ou très foncées, presque sans couleur de peau. Quand une ombre est très sombre, et que le coté éclairé est surexposé, la seule place pour la couleur est sur le bord, entre les 2.

Matériaux
Voici des exemples de quelques matériaux, et de la façon dont je les traite.

Vêtements - Peu de spéculars, Juste des ombres et de la lumière. Quelquefois une lumière forte peut pénétrer à travers les vêtements, et créer un effet de translucidité.
Cuir - Il peut être un peu brillant, et avoir quelques speculars. Ne le faites pas trop saturé.
Arbres et Bois - Mats. Pas très saturés non plus. Sorte de couleur gris/brun.
Pierre - Un peu comme les vêtements. La surface est souvent trop irrégulière (au niveau micro et macroscopique) pour avoir des speculars considérables.
Plastique - Les speculars et les reflets semblent colorés par le plastique. Le plastique peut aussi être un peu transparent.
Or - L’or n’est pas orange. J’utilise du noir, du orange désaturé parfois, avec des pointes de vert, puis du jaune et du blanc.
Argent. Plus ou moins comme 1 miroir.
Métal - Dans le cas des armures, j’augmente un peu les valeurs, pas beaucoup de demi teintes.
Métal Brossé - C’est une sorte de compromis entre une surface grise et une surface argentée.
Verre - Souvent juste transparent, avec des distorsions. Les spéculars sont aléatoires, et sont souvent blancs. Dans le cas de vitres de voiture, vous avez remarqué que l’on voir mieux ce qui est à l’intérieur quand la vitre est dans l’ombre, que quand elle a des reflets.
Choses mouillées - Plus (+) de speculars. Les matières mouillées ou humides peuvent devenir transparentes dans le cas des vêtements, et les roches seront plus saturées.

Ombres
Les ombres sont plutôt plates, et généralement moins saturées que le coté éclairé. Il est facile de relever la lumière d’ambiance dans les ombres. Les ombres deviennent floues avec la distance, ce phénomène est appelé la diffraction.

(Les ombres issues de la même source de lumière ne se superposent pas.)

Couleurs de peau

L'environnement
Les ombres sont plutôt plates, et généralement moins saturées que le côté éclairé. Il est facile de noter la lumière d’ambiance dans les ombres. Les ombres deviennent floues avec la distance, ce phénomène est appelé la diffraction. Couleurs de peau Prenez en compte l’environnement La lumière est plus forte à l’extérieur, et la couleur de la peau tend à être moins saturée, à cause de la lumière d’ambiance bleue venant du ciel et de ses speculars. Parfois la couleur de la peau s’oriente vers du pourpre, toujours à cause du ciel bleu qui s’y mélange. C’est particulièrement vrai si le sujet se tient dans l’ombre.

A l’intérieur (sans fenêtre, avec seulement des lampes) la lumière est plus chaude, et la saturation de la peau augmente, elle se rapproche du orange et du rouge.

La couleur des ombres sur la peau peut parfois virer au vert, en particulier si la pièce contient des élément verts, comme un papier peint, des plantes ou autre.

Dans une pièce blanche, ou une salle de bain, la couleur de la peau sera pâle, plus proche des couleurs de la piece, et moins contrastée.

Une pièce avec une seule et même source de lumière plutôt forte donnera sans doute des ombres se rapprochant du noir.

…vous pouvez donc constater que l’endroit où vous placez votre personnage affecte grandement le travail que vous devrez effectuer sur la peau.

Teintes
Le corps humain a beaucoup de teintes différentes. Les parties couvertes par les vêtements sont moins bronzées. Le pubis, les hanches et le torse sont quasi pâles. Les épaules et les avants bras sont 1 poil plus bronzés. Cependant l’intérieur du bras est souvent pâle. Les rotules et les coudes sont plus foncés. Le visage a de nombreuses teintes aussi, telles que les joues rosées. Les hommes peuvent avoir des mâchoires presque grises ou vertes, à cause de la chaume. L meilleur moyen d’apprendre les teintes du corps humain est bien sûr de réaliser des études. N’oubliez pas que les animaux, les monstres et les objets ont eux aussi des teintes. Si vous peignez tout de la même teinte, avec seulement de la saturation, ça sera mou, pas dynamique, et ennuyeux..
Certaines teintes sont dues à la lumière ambiante ou réfléchie. Les épaules, et les surfaces orientées vers le haut peuvent virer un peu au bleu, à cause de la réflexion du ciel.

Dégradés saturés
Dans les dégradés, la couleur entre l’ombre et la lumière n’est pas juste la couleur intermédiaire entre ceux ci. Si l’on mélange juste les couleurs de l’ombre et de la lumière, la peau paraîtra sans vie. Si vous regardez des photos, vous verrez que les dégradés sont 1 peu saturés. C’est particulièrement facile à remarquer si on enlève la saturation.

Effet de translucidité
Une forte lumière peut traverser la surface de certains matériaux, y rebondir, puis en sortir. Ce phénomène augmente la saturation, et fait paraître la surface éclairée de l’intérieur. Dans le cas de la peau humaine, on peut parfois la voir, sur les formes pointues, juste entre l’ombre et la lumière.

Photo - Les feuilles sont brillantes sur le dessus, ce qui signifie qu’il peut parfois y avoir un spécular bleu à cet endroit.

Photo - Effet de translucidité sur les doigts. La lumière sur le coté gauche du pouce est probablement la lumière reflétée par l’index.

Photo - Remarquez que les formes apparaissent seulement si l’objet est surexposé. Pas autant que sur le pouce.

Relativité
Les couleurs et les valeurs sont relatives. En utilisant diverses astuces il est possible de tromper l’observateur, en lui faisant penser qu’une couleur en est une autre, ou qu’une valeur est plus sombre qu’elle ne l’est normalement. Malheureusement l’artiste est aussi trompé, en utilisant beaucoup plus de couleurs et de valeur que ce dont il a besoin.

Une transition rapide entre 2 valeurs sera plus évidente qu’une lente. Vous devez savoir laquelle utiliser, et quand l’utiliser. Parfois votre choix de valeurs sera très limité, comme quand vous travaillez sur les ombres. En utilisant des transition rapides vous pouvez montrer beaucoup plus de détails, en utilisant le moins de valeurs. Cependant, utiliser des dégradés est très utile pour changer une valeur sans que l’utilisateur le remarque beaucoup.

Des couleurs avec une même valeur sont au contraire relatives en terme de teinte. Une erreur fréquente est de dessiner un détail trop saturé, ainsi tout ce qui est à côté semble gris, alors pour compenser vous augmentez aussi la saturation de ce détail , ce qui a pour conséquence de rendre tout le dessin trop saturé.

Identification des couleurs
Il est facile de se laisser emporter en mettant trop de reflets. Cela rend difficile de distinguer la couleur du sujet. Vous devriez utiliser plutôt les ombres pour rendre l'effet de volume du sujet. .

Aplatir et simplifier
Il faut travailler avec des pinceaux plus grands et effacer les traits qui ne sont pas nécessaires . Regardez le mauvais et bon exemple ci-dessous. Je n'ai vraiment pas beaucoup plus travaillé le 2e exemple. C'est juste simplifié. C'est surprenant comment le fait d'aplatir un peu ici et là peut changer le rendu. J'ai quand-même passé un peu de temps supplémentaire sur le visage. Un visage mal fait peut tout gâcher. L'image a été réalisée d'après une photo.

Points focus
Une peinture est un ensemble de détails importants et moins importants. Si vous dessinez une pin-up son apparence et sa silhouette sont les plus choses les plus importantes. Souvent dans les bandes dessinées, une ligne épaisse est utilisée pour la silhouette, puis moins les détails sont importants, moins les traits sont gros. Pour la peinture, c'est la même chose mais avec des pinceaux! Il faut varier la composition, les détails, les couleurs, les teintes, les traits de pinceaux pour amener le regard se poser sur le point focus de votre peinture. Si vous utiliser le même rendu sur toute la peinture, elle va paraître plate. Vous pouvez amener le regard sur des parties importantes, mais une fois que le regard est posé là, il faut quelque chose d'intéressant, comme des détails nets, pour garder l'oeil posé dessus. La quantité de détails devrait être proportionnelle au temps que l'oeil passe à regarder ces détails.

Essayez d'isoler quelques techniques que vous pouvez utiliser pour attirer le regard.

Voici un exemple que j'ai fait: (A) Formes importantes | (B) Texture | (C) Les 2 ensemble
Il peut être dangereux d'avoir à tout prix envie de dessiner les détails, surtout au début de l'apprentissage du dessin. Les détails ne ressortent pas de la même manière selon l'éclairage (ombre, lumière). Sur le 2e (B) j'ai dessiné tous les détails pour vous montrer comment cela apparaîtrait si vous ne tenez pas compte des formes importantes. (C) est encore un peu confus mais c'est déjà plus juste et plus abouti . L'image de profil ne vous donne qu'une idée lointaine, et l'anatomie est pas mal étrange ce qui rend l'image difficile à comprendre.

A est la forme sans détails, B est le détail et C est les 2 ensemble . Faites attention à ne pas trop faire de B, la forme est importante!

Perspective et construction
Je ne vais pas faire un long tutoriel sur la perspective: Je mentionne juste que c'est nettement plus facile de tracer quelques lignes pour aligner le perso/environnement quand vous dessinez.

Si vous êtes réticents à dessiner des environnements seulement parce que la perspective est fastidieuse à créer, vous pouvez utiliser une simple perspective à 2 points et juste deviner dans les détails. C'est surprenant comme c'est nettement plus simple d'aligner les choses correctement avec peu de lignes guides (pour moi de toute façon). Cela n'a pas besoin d'être parfait pour être correct. Il y a un risque que votre dessin souffre si vous ne pouvez pas improviser rapidement et que vous deviez consulter la règle à chaque trait. Premièrement If il faut tracer un horizon et ensuite tracer des lignes rayonnantes, une à chaque bout de l'horizon d'une manière aléatoire, que vous allez recouper ensemble et pour finir faire des ébauches.

Voici quelques lignes à main levée qui m'aident à aligner les épaules et le tissu. Pour le dessin de personnes, cela peut aider d'aligner le tissu d'après un squelette. . after a 'spine'.

Line art

Exagérer
Une chose super en art c' est la possibilité d'exagérer les choses, comme les seins et les hanches. Haha, mais je suis sérieux là. C'est une bonne chose si les lignes importantes sont plus prononcées.

Simplifier
L'avantage du dessin par rapport à la photo est la simplification. Dans une photo vous avez de multiples détails qui peuvent venir géner le regard. Quand vous dessinez vous pouvez enlever les objets qui en sont pas nécessaires à la scène. Les rides et saillies mineures peuvent être effacées pour avoir flux de trait plus harmonieux. Une erreur fréquente que je vois dans les dessins de l'abdomen, c'est la présence de trop de hachures. C'est mieux d'effacer ces traits si vous voulez coloriser, parce que dans ce cas, le contraste entre 2 champs de couleurs différentes peut servir de traits.

Harmoniser
A la différence de ce qui a été traité plus haut, cela concerne la relation des détails et la manière dont les lignes s'entrecoupent et interagissent entre elles. Essayez d'avoir quelques lignes dynamiques sur lesquelles vous vous alignerez.

Styliser
Quand on tend vers un style c'est important d'être cohérent. Vous pouvez rendre les courbes anguleuses ou vous pouvez les rendre sinusales. Je préfère un mélange où je rends une courbe anguleuse à un certain seuil.

Epaisseur de ligne
Je ne suis pas un très grand fan d'une épaisseur de trait fixe, ainsi j'ai créé quelques règles générales sur la variation de l'épaisseur du trait.

Les traits sont plus épais dans les parties sombres et plus fins dans les parties éclairées
Les traits sont plus épais près du regard et plus fins dans le lointain.
Les traits des silhouettes sont plus épaisses, les détails à l'intérieur ont des traits plus fins.
Les matériaux plus lumineux ont des traits plus fins.
Les traits fins sont bien pour des motifs détaillés.
Les traits épais vont bien pour des images simples.
Les traits épais vont bien avec des aplats de couleurs.
Les traits fins vont bien pour pour un rendu réaliste et pour des volumes prononcés.

Vous n'avez pas toujours besoin de créer une line. Parfois si vous pouvez juste surligner les bouts de la line, l'oeil remplira le reste. Par exemple lorsque différentes parties de peau sont accolés, comme la bouche, les fesses, seins rebondis etc. C'est bien de faire la ligne plus épaisse lorsqu'il y a un creux. Autres exemples: les tissus qui collent contre la peau dans les creux entre les muscles ou ... décolletés.

Finalement, voici quelques illustrations. La première est faite avec Photoshop (5.5) + tablette wacom et il n y a pas de ligne de qualité dont on peut parler, mais j'espère que vous pouvez vous en faire une idée. La deuxième est une image encrée il y a quelques années.

Etudes

Comment?
J''ai commencé à faire des études de dessin il y a seulement quelques années, et ça je le regrette énormément. Vous n'allez pas tomber sur les traits justes en tâtonnant ou avec des gribouillis des références ne vous mènera pas très loin. Pour être capable de dessiner vite et de manière assez libre vous devez être capable de dessiner sans penser à la construction générale des éléments (comme l'anatomie de base). De cette manière vous pouvez vous concentrer sur le design actuel et les détails..

Construisez vos dessins/peintures. Ne rentrez pas dans les détails tout de suite. Regardez toujours les proportions générales et ne commencez pas les détails trop vite. Marquez les endroits où il y a des traits importants. Ils seront comme des points de repères sur lequels vous vous alignerez

Essayez d'apprendre une chose à la fois. Vous ne pouvez pas apprendre le jonglage tout en faisant un 400m haies. Si vous voulez apprendre à manier les supports,/outils, essayez de faire des études simples comme des fruits. Si vous voulez apprendre à dessiner des visages, utilisez un support que vous connaissez, car sinon cela fera trop de choses à apprendre en même temps. S'il y a plusieurs choses que vous ne maîtrisez pas vous ne pourrez pas savoir ce que vous faîtes de faux. La quantité est aussi importante, je ne recommanderais pas de faire des études d'anatomie en avec de la sculpture sur bois

Crayon
Les études au crayon doivent être seulement de simples esquisses rapides. Je passe peu d'heures dans les études quand je les fais, et je dessine entre 10-30 sur chaque feuille (A4). Je fais seulement quelques études par mois, mais je remarque à chaque fois une amélioration . Imaginez seulement ce qui pourrait arriver si vous les faisiez plusieurs fois par semaines pendant des années.

1 - 2 - Quelques vieilles études sur papier faites à partir d'un comic (poses) et de photos (visages).

Peinture
Quand je fais des études digitales, j'utilise photoshop et la plupart du temps une photo trouvée sur internet. Je duplique la fenêtre et efface le contenu de la nouvelle fenêtre. Ensuite je commence à placer approximativement les plus grandes masses colorée. Après j'augmente les détails au fur et à mesure et ajuste les couleurs avec autant de précision que possible. Quand cela ressemble à l'original , regardez à distance ou avec un oeil fermé, c'est fini. Je travaille toujours avec le plus grand pinceau rendant un détail donné. Je n'utilise pas la pipette pour copier les couleurs depuis l'original, mais je laisse la fenêtre à la même taille pour voir si j'ai mal placé quelque chose. Si vous voulez augmenter la difficulté (et être récompensé), vous pouvez dessiner dans une fenêtre de taille différente, avec un effet miroir , ou bien peindre une nature morte.

1 - 2 - Le premier est OC, le deuxième est PS.
1a -> 1b - 2 - Ici j'ai essayé d'être aussi économique que possible. Le second n'est pas une étude mais un exemple de nettoyage, qui n'est pas nécessaire pour les études.
1 - 2 - Ceux-ci ont été faits depuis une référence. J'ai pris la liberté d'ajouter quelques traits et de styliser un peu. WPE. WPE.
1 - Une de mes premières études.

Etude d'objets

Etudier quoi?
Etudiez tout! Vous devez vous créer une grande banque d'images et de formes dans votre tête afin d'être capable de dessiner intuitivement. Ceci requiert toute une vie, même plus,donc vous feriez mieux de vous y mettre tout de suite.

Anatomie humaine
Une des choses les plus importantes que vous devez connaître. Même les monstres ont des traces d'anatomie humaine.

- Le corps en entier. Utilisez des photos, des livres d'anatomie, des statues, ou des personnes en chair et en os.

- Le visage est la chose qu'on regarde en premier. Si vous vous trompez sur une ligne, toute l'expression du visage va changer. Faites des études à partir de photos, de vos amis ou de vous-même.

- Les mains sont aussi importantes (et difficiles) à apprendre.

- Les pieds peuvent être aussi délicats à faire, pas à cause des formes, mais parce que vous devez poser le pied sur le sol, de manière à ce qu'il n'ait pas l'air de s'enfoncer dans le sol ou que le sol penche.

- L'habillement. C'est important d'apprendre comment les habits se plissent, quels aspects ont les différents types d'habits et comment ils se portent

Mouvements et styles
Vous devez vous diversifier et avoir des idées nouvelles. Apprendre des styles différents peut être une bonne idée

- Dessinez des choses de la vie courante, vos amis ou des personnes dans un café, dans un bus, ou quelque part en utilisant vos amis. Quelle pose adopte quelqu'un qui ouvre une porte, cherche ses clés, et qui semble intimidé par un artiste?

- Marvel. Comment les artistes de Marvel représentent le corps humains avec des lignes? Quels détails sont importants et quels autres détails sont simplifiés?

-Modesty Blaise, ou un style comic assez réaliste. Dessiner des dégradés avec juste du noir est blanc n'est pas facile.

- Manga ou un style que vous aimez. De nouveau, comment l'artiste convertit l'anatomie humaine en lignes et taches colorées? Quels parallèles vous pouvez faire entre tous les styles?

Environnements
Placer votre personnage dans un environnement lui donne réellement vie. C'est quelque chose que je dois définitivement apprendre moi aussi.

- Paysages avec des champs, montagnes ou quoique ce soit.

- Une forêt dense ou une jungle.

- Un paysage urbain ou industriel.

- Une vue intérieure, comme une chambre avec des meubles. Pas très intéressant, je sais. Je n'ai pas encore fait cela.

Allez chercher un livre sur des animaux...
..et dessinez quelques animaux. Une bonne manière des dessiner un monstre est de mélanger plusieurs animaux en un seul.

- Toutes les choses vivantes. Mère nature a passé des millions d'années à perfectionner les designs, ainsi vous feriez mieux de les étudier.

- Chevaux, chats, chiens, oiseaux. Ceux-là sont spécialement importants car ce sont les plus fréquemment observés

Machines
Vous devez aussi vous exercer à dessiner des machines. Cela peut être utile pour dessiner des robots ou des droides vengeurs fous qui s'écrasent sur des planètes.

- Différents modèles de voitures.

- Machines de chantier et de forage.

- Véhicules militaires.

Natures mortes classiques

Ou simplement tout. C'est bien pour apprendre comment dessiner et peindre en général à cause des formes simples. Vous n'aurez pas à vous soucier beaucoup des formes et vous pourrez vous concentrer plus sur les matériaux.

- Fruits, fleurs, squelettes, sculptures, morceaux de bois, parties de métal rouillé.

Auto-critique

Analyser ce que vous faites de faux
A force de regarder la même image trop longtemps, on ne remarque souvent plus rien(ce que vous devez faire pour être capable de travailler). Essayez de tourner les images, regardez là par le haut par les bas, au-travers d'un miroir (j'utilise un CD), et zoomez/dézoomez. Attention à ne pas regarder votre image de trop près ou a ne pas trop zoomer. Vous pouvez aussi faire un 'New view' (PS).
Vous devez aussi accepter le fait que même si vous avez passé beaucoup de temps sur quelque chose, cela ne veut pas forcément dire que c'est parfait. Vous devez être prêt à sacrifier du temps sur une image si elle est bancale. Même si vous êtes satisfait des détails, vous devez les retravailler. Parfois ce n'est pas le détail sur lequel vous travaillez qui est faux, mais quelque chose de proche, par exemple la couleur du fond ou la perspective d'un autre détail.

Qu'est-ce qui est les plus important dans la peinture?

1.Construction. Qu'est-ce que vous essayez de peindre? Votre sujet et composition devraient être au même niveau fondamental. Si ce n'est pas le cas, aucun rendu dans le monde ne peut le sauver. N'ayez aucune illusion que vous pourrez sauvez l'image plus tard. Si une pose est mauvaise maintenant , elle sera toujours aussi raide une fois la peinture finie, même si c'est Rembrandt en personne qui l' aurait peint.
Valeur (luminosité / l’obscurité d‘une teinte). Pour une peinture, vous devez utiliser les valeurs pour sculpter les formes. Les valeurs peuvent aider grandement en groupant et séparant les formes

Illustration - La première version ici est visiblement fausse. Chaque forme a été traitée seulement par les ombres et lumières. La deuxième est meilleure mais il y a seulement une valeur type. La troisième a différentes valeurs dans les formes. Peut-être bien que cela foire quand même dans les étapes de construction...

Ici les couleurs et valeurs sont utilisées ensemble pour séparer le devant de l'arrière-fond.
Couleur. Vous pouvez avoir un peu de peine avec les couleurs (teinte et saturation) et quand même vous en sortir. Si vous n'arrivez pas à harmoniser les couleurs, c'est probablement les valeurs qui sont mauvaises. Ecrivez de côté si les étapes précédentes marchent, c'est facile de faire des images originales avec l'outil balance de couleurs. Dans mon expérience le choix le plus original est souvent le meilleur.

Critique et erreurs fréquentes
Quand je donne des critiques sur les divers forums, j'écris souvent les mêmes choses. Voici une liste d'erreurs fréquentes que les débutants font.

Problème: Ombre - tons moyens - reflets sur toutes les formes, indépendamment de l'emplacement et de l'angle de la forme.

Solution: Essayez de dézoomer, retournez l'image, bouger votre tête en bas et en haut. Ne rendez aucun détail séparément en une fois. Le fait d'égaliser les formes mineures, rend la peinture plate et de ce fait les formes importantes majeures ressortent plus difficilement.

Problème: Mélanger du noir dans les ombres et du blanc dans la lumière, et ensuite étaler dans les couleurs entre-deux

Solution: Cela rend la peinture grise et monotone. J'ai rencontré quelques personnes qui m'ont demandé un tutoriel sur les ombrages. Il n'existe aucun tutoriel de ce genre. Il n'y a aucun raccourci pour vous dire que vous devriez commencer avec une couleur foncée et finir avec une couleur claire, ensuite faire ça sur chaque détail. Vous devez apprendre comment la lumière agit et rendre une image presque comme si vous étiez un programme de 3D. Cela peut faire sursauter quelques uns, mais pour moi c'est juste. J'obtiens souvent les meilleurs résultats quand je laisse mes penchants et habitude au profit des règles de rendu.

Problème: Rendu et reflets qui vont distraire le regard. Le pinceau fantaisiste est vraiment un pêché ici.

Solution: Vous devrez sacrifier beaucoup de détails qui auraient pu être impressionnants. Ce qui est important c'est l'ensemble de la peinture. Donc pas d'éclats sur la boucle de ceinture, sur le petit gars pas important situé dans le coin. L'oeil est attiré par les reflets, contrastes et saturation. Vous devriez amener le regard sur les parties importantes de la peinture.

Problème: Poses plates et raides, les personnages ressemblent à des tapettes à mouches

Solution: Je le fais souvent. C'est très simple de dessiner des personnes de côté ou de face avec les bras allongés. Cela donnera une impression de fadeur et de manque de dynamisme, sauf si vous avez une idée de composition, sou si vous créer une icône. C'est tentant de vouloir montrer tous les détails d'un personnage dans une seul dessin, mais si vous voulez une pose dynamique c'est rarement possible. Laisser le corps masquer un bras peut être un sacrifice afin d'avoir une bonne pose. Donc en cachant un détail, vous laissez la place à l'imagination du spectateur, ce qui peut être une bonne chose! Cela peut paraître beaucoup plus beau en esprit que ça jamais ça ne pourrait l'être autant sur le papier.
De toute manière, apprenez les raccourcis et les poses dynamiques en faisant des études de comics et des modèles réels ou de photos. Les personnages qui ressemblent à des tapettes à mouches ne vont pas vous mener loin.

Problème: Mauvaise économie de traits, ou essai de personnes se prenant pour des artistes 'ooh, regardez mes traits si spontanés.

Solution: Chaque trait devrait participer à l'ensemble . Quelques uns espèrent s'en tirer avec quelques traits aléatoires artistiques. Des traits aléatoires font des détails aléatoires. Les détails aléatoires distraient le spectateur des détails actuels de la peinture ou du dessin. Je sais certains artistes semblent peindre des scènes parfaites avec juste quelques traits bien placés mais je pense qu'ils font beaucoup de nettoyage et d'optimisation. Revoir la peinture entière partie par partie et enlever/diminuer les traits qui n'apportent rien,Soyez attentifs que ce soit le motif qui attire l'oeil et pas des traits aléatoires. Les formes majeures sont toujours les plus importantes et beaucoup de traits proches doivent être sacrifiés afin de faire en sorte que l'image soit cohérente.

FIN
Niklas Jansson - 2005
http://www.itchstudios.com/psg